Jackson Pollock

「爬在地板上作畫了給我更多的安逸，平安，感覺上我更靠近，更令我投入畫中，屬於畫的一部份。就是這樣，我可以在畫的四方走動，投進畫裡。。』－－－1947Pollock


Jackson Pollock，1912年1月28日－1956年8月11日是一位有影響力的美國畫家以及抽象表現主義運動的主要力量。他以他獨特創立的滴畫而著名。

在他的一生中，他同時享有相當的盛名和惡名：他被認為是一名大部分時間隱居的畫家；他具有反覆無常的脾氣，並且一生中大部分時間都在與酗酒做鬥爭。

1.Jackson Pollock的非具象繪畫手法是什麼?

1947年開 始使用「滴畫法」，取消畫架，把巨大的畫布平鋪在地上，用鑽有小孔的盒子、棒或畫筆把顏料滴濺在畫布上，稀薄的顏料藉助噴霧器；作畫時和畫布的接觸不固定在一個位置，而是在畫布四周走動，或跨越過去，使構圖沒有中心、結構無法辨認；以反覆的無意識的動作畫成複雜難辨、線條錯亂的網；畫面上線條縱橫曲扭，色 彩變幻無常。在其追求下意識的極端放縱的方法中可見到超現實主義畫派的影響。


他使用一種被稱為醇酸磁漆的合成樹脂塗料，這在當時是一種新的塗料。他採用硬刷、棍子甚至是塗油注射器作為繪畫的工具。潑灑和滴落顏料的技巧被認為是「行動繪畫」的起源之一。通過這種方法，讓顏料逐漸地從他選擇的工具滴落到畫布上，使得他可以實現更直接的創作手段。通過摒棄在垂直表面繪畫的傳統，他可以從任何方向觀察並在畫布上作畫。

在用這種方式作畫的過程中，波洛克逐漸放棄了形象的表現方式，並對西方使用畫架和畫筆的傳統進行了挑戰。他開始不僅局限於使用手和手腕繪畫，而發展到使用全身進行繪畫。Pollock否認他的作品是偶然產生的，他通常對於一個作品的產生有特定的想法。他的技巧將有控制的身體運動、顏料粘稠的流動、重力以及畫布對顏料的吸收等一系列可控和不可控的因素結合起來，就像舞蹈一樣，直到產生他想要的作品為止。



2.請選出Jackson Pollock的一件作品做分析。

歷史影響
二戰之 後，Pollock成為了美國新一代繪畫的象徵。他的作品第一次完全採用了抽象的形式，在繪畫過程中畫家是主觀的、感情化的。Pollock的繪畫能夠反 映他溫和的性格。他也是第一個進行所謂的「純粹抽象」繪畫的畫家，因而影響了大批美國和歐洲的藝術家。他作為行為畫派的代表和戰後美國抽象畫派全面勝利的象徵。

生活背景對創作的影響
 Pollock的作品反映了美國民族不墨守成規、勇於進取、不斷開掘宏觀世界和內在意識深處的精神，也表現了他們在高度工業化社會中的憂慮、焦躁和不安。

Jackson Pollock的作品。他使用的顏料有時摻雜了砂礫或碎玻璃，因此能改變液體滴下的速度與方向。縱使這些作品掛在牆上，倘若近距離觀之，所有張牙舞爪、如 洪水般不斷向荒野蔓延的扭曲線條，都擁有著真實的高度與厚度。那是經由數十次滴流才凝結出的成果。層層疊疊、互有高低起伏。這種立體感，絕不是透過複製畫或數位圖檔就能模擬的，是得親身體驗的視覺震撼。



1947 年Pollock的這一幅《整整五噚》就是如此，色彩在畫上的不同質的流動與趨勢，具有由個性所支配的調和，持續變動著的色澤堆砌，造成了豐富多變的組合，形式上似中國繪畫的"潑墨"，具有一種內在的、蓄意表現的韻味，可是相同只是表面形式而已。”潑墨”是在畫外的表現手法，波洛克的動態畫不單是畫內的 感受畫的“空間”，也令人感受到“時間”的元素。
看著這些驚人的作品，我的意識很快地被帶到另一個次元。我只能想像這些猙獰的曲線、毫無節制的顏色與無法駕馭的油彩炎流，是出自一顆何等瘋狂的心臟，一顆受過多少苦難與折磨的腦袋。旁人完全不須讀過Jackson Pollock的傳記才能理解他的躁鬱症或酒精中毒，他的作品已讓世人明白這一切。這是平凡人窮極一生都複製不出的原創藝術。

《整整五噚》，噚是海洋深度的度量衡，一噚合6英尺或1.829米，僅就這個題目的含義，除了意指海水的深度以外，還意味著滴色的層次，語意雙關。全畫以藍綠色彩主調，Poolock在畫上先是大面積滴注，然後按各區域的情況加灑深淺不同的綠色，再後是黑色油漆，最後再在表層使用鋁漆，漆中還夾雜著不少"添加 物"；同時還在某些他認為必須補色的地區澆滴一些醒目的白色和無光澤的色彩。Poolock沿著畫布邊走邊滴，讓自身運動與滴色動作協調配合。我們從《整整五噚》上可以看到色線綿密得象網一樣彼此糾纏著，有的地方密不通風，有的地方突然出現泛上來的蜜黃色。圖上的局部即顯示了兩注稠厚的蜜黃色塊，它似乎在白色 乳性液體中流出來的緩慢色斑，還勾帶著緩慢的紫色，因而成為全畫的最亮點。 


Pollock對我們的影響

Pollock的畫被認為呈現出一種「滿幅」的構圖風格。這種畫法「被讚譽為1911年畢卡索和勃拉克的分析立體主義繪畫以後最引人注目的繪畫空間方法的新發明。藝術評論家羅森伯格將波拉克的繪畫稱作為「行動繪畫」，其含義是，畫在這裡呈現的已經不是一幅畫，而是其作畫行動的整個過程。有學者認為，人們在欣賞波洛克作品的時候，腦內的「鏡像神經元」起了作用。這種神經元讓人 和猴子能夠在頭腦中模仿他人的動作，就像自己在進行這個動作一樣。已經有研究表明人在看到手寫的字母時會在腦中模仿書寫的動作過程。而美國哥倫比亞大學大衛·弗里德伯格及同事則提出一種觀點，認為人在欣賞畫作的時候，人腦會試圖重現作者的繪畫過程。這可能至少部分解釋了人們為什麼會覺得Pollock的作品動力澎湃。

點羽成金------游文富

 羽毛裝置藝術家－游文富 

本來是一名空軍分隊長的游文富老師是如何下定 決心放棄高薪厚職，而成為一位全職藝術家呢？

他的創作起點是來得莫名其妙的。在小學的時候，游老師交了一份由姐姐代筆的畫畫功課，誰料老師非常欣賞這份畫作，更推薦他參加畫畫比賽，他嘗試畫畫，竟然真的得獎了，他開始發現自己的天份，並慢慢愛上了藝術。

 後來，他從事工藝生意的爸爸因經商失敗而欠下巨債，游 老師為了獨立起來決定入讀受薪的軍校，畢業後，他在空軍工作九年，更從中正預校升至分隊長，其間他從沒有放棄畫畫。直至1999年，他認為自己不應該停留 在空想的階段，而且工作多年總算有一筆積蓄，心智亦變得相當成熟，就算遇到失敗應該也不會太在乎了，所以他決定要追尋夢想，辭去軍人的工作，隻身到英國修讀藝術。

游老師在英國讀書一年後，更到歐洲流浪了3個月，這成為了他的人生中最珍貴的學習機會，游老師記得當時在火車站遇到幾名流浪漢，從交談中，令他明 白到每個人生都有他的故事，只有好運與不好運，不要覺得今天的低點就是永遠的。人不應該太自我封閉，應活在當下，游老師特別喜歡在別的城市待很久，在旅行 時身體的細胞會張得很開，不斷吸收新事物，相反，一直留在故鄉就不會去注意觀察，到外國見識過，才會知道故鄉的好，學到的必然終身受用。

 下飛行線，不再御風，改逐夢。

從禽鳥身上，找到最佳創作素材，取鴨、鵝羽毛，做吊燈、造地景，教旁觀者從他作品，感受振翅、看到飛翔。鴻毛輕賤，卻在現代人鳥籠般心裡，發揮莫大力量，有錢沒閒的商界鉅子，花數十萬元收藏它宣示的無價解放。

棄空從陸、不再開飛機的他，反而從體內長出金翅膀，在入世的優渥酬庸、出世的自我實現間，自由進出、翱翔。「飛行，其實沒有想像中自由，航道把你管得死死，只能從這點到那
點，和開計程車沒兩樣。唯一差別是：在天空不用停下來等紅綠燈。」38歲的游文富笑說。但飛行，卻讓游文富體悟解放的可貴，進而藉鳥的飛行器──羽毛，飛出自己的「專屬航道」，成為國內唯一用鴨、鵝羽毛創作的藝術家。企業、策展單位邀約不斷，他不再是孤獨機師，而是「化羽成金」的魔術師。

「羽毛是鳥的衣服，可保暖、防水。每1根都符合流體力學，是飛行記錄器，也是生存記憶體。」他漸漸被內行、外行人看見，走出深山斗室，在大庭廣眾前插羽毛，一路插到美國舊金山、紐約藝術村，插進《紐約時報》藝文版。

隨著所見世面愈廣，創作也愈多樣，近作是用鋁線串連LED燈、羽毛，作成大吊燈，感覺像天空白雲飄進來，也像天花板、連同公寓長翅膀，一起飛出去。游文富懂得在心之所願的領空，放膽翱翔的重要，用自己熟悉的飛行器：羽毛，把零星材質組裝起來，所謂飛行、自由，變得具象且近在咫尺，於是價值非凡。

Mark's House 漂浮的希望

美國房市泡沫所引發的金融海嘯，不僅重創了全球經濟，也讓許多人的美國夢碎。過去只要肯做、肯拼、肯努力，就能享受的美麗人生，似乎隨著房市崩盤而瓦解，許多美國民眾也因為房子遭到查封、拍賣，而被迫離開自己的家。


在今年由Flint Public Art Project所舉辦的Flat Lot Competition中，來自倫敦設計公司 Two Islands 的建築師們用比賽中所獲得的 $25,000 美金獎金，加上在集資網站Kickstarter所募得的$15300，打造出佇立於密西根州Flint市中心的鏡面屋 Mark's House，象徵美國民眾在這段期間所失去的家，以及面對未來重建的勇氣。

Mark's House重約1800公斤、高約8.5公尺，採用都鐸式建築風格，鏡面忠實反射著周遭的景物，象徵著民眾曾經失去的家園。從遠 方望去，Mark's House 就像飄浮在半空中，隨著天氣、陽光的變化而產生不同的視覺效果，但走近之後，抬頭可以看見房屋內側屋頂嵌入超過850個燈箱，掛滿90位來自 Kickstarter贊助者的照片，就好像希望從不曾遠去，始終支持著人們走下去。


我很喜歡Mark's House所要傳達的理念，以裝置藝術來激勵當地居民，不論是重建家園，或者是代表希望一直存在的想法。一開始大家可能會因為它的外表、好奇心而想要窺視一下。等到靠近以後，發現了它想傳達的想法，會被它整個吸引住。

我認為好的設計就是這樣，遠看時覺得美好，近看時覺得很有意涵，並且有同感。

克里斯多 紐約公共藝術大師

二十五年的努力，換來十六天的亮眼      包裝大師克里斯多紐約公共藝術


包裝大師克里斯多的作品包括了以下的特性：
一、前無古人、後無來者
二、每一件作品都是一生難逢一次的機會
三、必須從無到有，解除所有執行上的困難與不 可能
四、然後，在達成目標、完成作品之後，重新歸零、全身而退，在人們的心中留下作品的迴響，以及各種類型的文件記錄。

7千5百個特製的十六英呎高（約388公分）鋼質門框，垂吊著橘黃色的布幔，將沿著公園內的23英里步道，以從59街到110街、從東到西的走向、以每個相隔十二英呎（約366公分）的距離，沿著地形與步道排列，在陽光照耀及遠望下，就像是一條長長的金黃色門廊，時而凸起、時而隨著樹林與草地若隱若現；若 是從高處往下遠望，也有黃龍遊走於大地之上的感覺。

當人們走在「門道」之中時，會發現一張張橘黃色布幔，在大自然裡的陽光與風的照拂下，既像是光線與樹影的畫布，也像是一個個每分每秒都在變化造型的動態軟 雕塑。除此之外，而且，人們視覺所及的景象，也會隨著自己的步伐與視線方向轉變，所以「東張西望」成了人們走進公園觀賞這件作品時的標準動作之一；另一個 幾乎每一個人都想嚐試的動作，便是伸手觸摸或企圖抓住不斷挑逗這人們的一張張橘黃色布幔。

這件作品，光是門框所需要的特製鋼質底座就需要1萬5千個、門閂所需要的訂製螺絲就多達16萬5千個。整個計畫的經費預算為2.1千萬美金，其中包括捐給中央公園管理處的3百萬美金。這項計畫終於在紐約市政府不需負擔任何資金、克里斯多負責材料、人工、裝置費用，以及支付展覽期間市政府 因加強警力與安全人員所增加的費用等條件下被核准，展出16天。

擔任克里斯多法律首席代表四十年的芝加哥律師Scott Hodes先生，表示他不知道2.1千萬美元的總價是如何計算的，但他相信各種工作人員的保險費應當在整個作品執行經費比例中，佔有較大的比例，而且應 該是從一九七九年克里斯多首次向紐約市政府提出「門道」企劃案時算起的。或許，「門道」實際到底花掉多少錢的問題解答，就在當克里斯多在被紐約時報記者不 斷當面詢問「門道」計價問題時的反問中，他說：「你會怎麼計算二十六年來無數次的會議、協商、規劃、設計？」

克里斯多在中央公園中設置的「門道」，堪稱是紐約有史以來規模最大的公共藝術作品，而克里斯多二十五年的努力，換來中央公園十六天的亮眼，即便是只有暫時性的十六天展示，「門道」卻將會是一件永久性設置在人們心中的藝術作品。

James Jean

 

你可能不知道他的名字，但你很可能已經看到他的作品。他是5次艾斯納屢獲殊榮的藝術家。詹姆斯是眾所周知的，他涵蓋了漫畫的DC“寓言”和他美麗的插圖作品 耐克，滾石和其他許多公司。現在詹姆斯正在走向世界的藝術。他是一個非常好的藝術家。

如果插畫界也有巨星的話 James Jean絕對是其中之一。

在去年PRADA的商業活動中， James Jean的作品讓人驚艷。 

James Jean ( 1979 b )

詹姆斯讓是一個非常年輕的台美獲獎的藝術家和插畫家。他1979年出生於台灣，成長於新澤西州，現在洛杉磯生活和工作。 2001年在紐約，他畢業於視覺藝術學院。在他就讀於藝術學院，他吹喇叭，但幾乎沒有任何圖紙。他的客戶現在包括時代周刊，紐約時報，滾石，花花公子，普拉達等。他還圖文並茂的漫畫系列覆蓋了寓言和傘學院。他曾贏得5次艾斯納獎'最佳封面藝術家'。2009年在紐約的喬納森萊文畫廊開始他的首次個展'點燃'。

詹姆斯讓是受日本版畫， 北方文藝復興時期的繪畫和版畫，中國捲軸畫，上海廣告海報，漫畫，解剖圖，以及老式印刷蜉蝣。他喜歡嘗試不同的技術結合起來。他的速寫本是一個偉大的參考 其出版的作品。他的教育背景，貢獻良多，目前在詹姆斯讓他的位置需要在藝術產業，這是一個很大的一部分，他的身份作為一個藝術家。他的個人作品，並喚起一 超現實感的幻想。

米羅百年紀念展

米羅是一個偉大自由的解放者。

他的畫不單是在敘述一個故事，更是一道美麗豐富的詩。

他是一個穩健而大膽的藝術家，當他在一張畫布揮下三塊色點時，畫布將開始產

生生命，並轉化成一件偉大的創作。 

暑假不管怎麼樣都要托人幫我買到票的米羅展!!!!!
一開始我喜歡的是米羅的畫風，雖然不見得每幅都看得懂，但就是特別喜歡米羅筆下的每個線條、圖騰以及幾何的形狀，所以即使不懂還是可以看得津津有味。

這次展品包含油畫、版畫、雕塑、織品、圖文書等共86件作品，其中包含米羅孫子珍藏從未問世的5件油畫。米羅的孫子胡安‧旁耶‧米羅表示，這五件作品從未出借過，其中有兩件是米羅分別畫給兩個孫子的10歲生日禮物，對他來說彌足珍貴，對祖父最寶貴的回憶！

 

他經常深思熟慮的運用各種抽象的符號作為他個人的藝術語言，主要是不想受限於傳統的束縛，所以他在一九六一年以堅定的口吻回答記者的訪問說：「當我 做畫時並沒有設定任何一個具體的目標，無論是女人或小鳥，有時在一個空間裡會出現三隻類似鳥的造形，並非是我創作的本意、只是它們看起來像三隻鳥。」

所以當我們在欣賞米羅的作品時，必須結合他的素描與草稿，配合許多圍繞於我們生活中的事物，才能真正了解他畫中含意。他在基本的構圖裡常常出現一種 抗議的象徵，這是他個人主觀性的表達方式，而他畫中所出現不協調的背景色彩，常常是意味著對人類、世界甚至整個宇宙的抗議，就像那張抗議西班牙內戰的作 品，一股令人連根拔起的怒氣感同身受。因為他不想逃避現實中的人生事物，他重視的是人類本性中所帶來的不幸。

這是我最喜歡的其中一幅，無標題，但遠遠一看就好喜歡它。因為超可愛!!

死而復生 台北雙年展

因為最近沒有時間看展覽，所以只好將之前看過的並且喜歡的展覽再回味一次。

                                     現代怪獸 / 想像的死而復生

主辦單位 臺北市立美術館    策展人 安森．法蘭克（Anselm Franke）

        整個展場說它小其實它一點也不小！！老實說這是我第一次逛展場有辦法逛到腳痠的！不過看到了許多以前沒有深思過的問題。在看展覽時我看到許多講師正在解說 那些作品的意義，所以偶爾我會停下我的腳步去仔細聽聽講解員的說詞，因為畢竟沒有人可以完全的理解所有藝術家想要表達的意思，聽完了許多解說我大概理解為 什麼雙年展的主題會是現代怪獸。

       在聽解說員講解之前，我都只是抱持著好奇心來觀看這場展覽，有些我甚至根本不懂它的涵意，尤其是影片類的，我無法理解藝術家們想表達的意境是什麼。講解的好處就是，即使無法完全了解，但你至少懂它的意義在哪!在某些時候可以發出會心的一笑，因為你開始懂藝術家想傳達給世人的東西和感覺是什麼。因為很多事情無法用言語來形容透徹，所以想必這就是藝術存在的必要性之一吧！？我想。

因為展場無法拍照，所以很可惜的我無法分享我最喜歡的作品的圖片，我只能在網路上收尋到一些對展場主題比較有指標性的圖片，我最喜歡的是羅伊‧羅森〈弗拉基米爾之夜〉的36幅繪畫，由怪誕、死亡與淫穢的手法來喚起寫實的感覺，去面對結構性暴力暴力肆虐的世界，其中受害者成為加害者，而恐懼卻披著律法與規範的假名。作品傳達出來的諷刺意味深遠，雖然有些繪畫太過逼真讓人覺得可怕，但就是因為這樣才會讓人更加體會它想表達的，也讓觀眾更加印深刻。所以這件作品是我最喜歡的一樣。

    今年的台北雙年展是由目前以德國柏林為主要據點的德籍策展人安森．法蘭克（Anselm Franke）負責策劃。整個展期：2012年9月29日至2013年1月13日，除主要展場臺北市立美術館外，聽說也會延伸到臺北市內其他地點。讓我們整個壟罩在藝術氛圍下。

       策展構想是和過去與歷史進行想像性的互動，進而協調歷史意識。假設全球藝術體系的共同點就是現代化的經驗和影響，本屆雙年展著重的便是全球各地藝術家針對這種經驗與過程如何闡述與進行談判協商。重現或重顯現代性，重新書寫其主要的敘述，以及，重新擬定建構的資源，這些都是具全球性規模的跨學科計畫。這項展演活動的驅使力在於希望能找到一個優勢位置發聲，並由此連結到現代化的邊緣，其目前的形態與漫長的身影與影響，以及藝術在當下轉型過程中扮演的角色。

       王德威在其中國文學研究的書籍《歷史與怪獸》中提到了中國與台灣在20世紀的歷史，並談及許多的政治暴力──通常以啟蒙、理性、烏托邦為名──與虛構產物間的關聯。王德威在書中透過中國古代的惡獸檮杌來表現歷史，因為檮杌可以看見過去與未來。當歷史無法將過去的意義帶到現在時，虛構的文字就取而代之。本屆雙年展召喚檮杌，這隻虛構的怪獸是個對象，代表了人類對過去經驗的詮釋與無法追憶卻又無法忘記的官方記憶。正是透過歷史如怪獸般的醜惡與殘暴所內含的政治與美學意義，才能在所展現的可能曙光中想像現在的狀態。 

      

       藉由DVD作品片段欣賞，能引導觀眾認識臺北雙年展的主題意涵與作品間的關係，並深入了解「現代怪獸」、「死而復生」之論述要義，同時分別探索當代藝術之對待「想像」、「時間」、「理性-非理性」、「歷史-當代」、「人類的力量」、「重新觀看」、「國際思維」、「怪獸性的美學」等相關議題。

        

      「台北雙年展」出現「怪獸」？這些怪獸不是酷斯拉、也不是食人妖，而是對人類歷史造成重大影響的殖民歷史、戰爭、自然災害等，它們以不同的形式和外觀出現，深刻影響當代社會發展，卻往往被忽視、隱匿甚至視而不見，這是我看完展覽後得到的結論，也理解展覽想要傳達給我們的訊息。所謂的怪獸都是人類一手造就的，所以我們是否該好好沈思這個問題，我想這將會是近年來重要的議題之一吧！