2014年1月13日 星期一
動物：由Ana Rajcevic的另一面演變
倫敦時裝學院畢業的安娜Rajcevic創造了一系列的象牙，牛角刺對人體的。
動物：由Ana Rajcevic的另一面演變
叫獸：對方的演變，雕塑作品是基於誇張的動物骨骼和設計，以適應於面部，頸部和頭部。
動物：由Ana Rajcevic的另一面演變
他們在複雜的模具由玻璃纖維，樹脂和矽製成。
Rajcevic的項目贏得了馬時裝設計獎2012年倫敦學院。
該項目是基於動物解剖的獨特的視覺演繹，建立在現有的骨架結構，創造出一系列的顯示為人體自然屬性雕塑作品，暗示力量，力量和性感。
突變和進化的概念進行了探討，以開發人類和動物，一個非時間性的，至高無上的生物，超越過去和將來的當代跨形象。
目標是製作的8個個人裝飾的集合，不會被特別列為首飾或配件。
當時的想法是走出傳統珠寶/配飾方面，以開發可分別在自己的展出既充分附著在人體貴重物品的“新品種”。
所有的對象都手工創建多部分組成的主模具，採用膠衣，玻璃纖維，樹脂和矽橡膠。
件執行雙重功能：它們的存在為連接到佩戴者的時尚物件，以及獨立的藝術作品，陳列在畫廊空間。由於這種雙重的質量，他們可以被認為是時尚文物真正意義上的：慾望，而不僅僅是單純的裝飾品的對象。
得主馬設計獎2012年倫敦時裝學院，倫敦藝術大學
朱德群/吳冠中/張大千/趙無極
朱德群
文化的擺渡者
朱德群（Teh Chun Chu，1920年10月24日－）是華裔法國畫家，是法蘭西藝術院中的第一位華裔院士。
出生於蕭縣白土鎮（今屬安徽宿州），1935年考入國立杭州藝術專科學校，師從林風眠學習西洋油畫。曾經留學巴黎的林風眠帶他進入了雷諾瓦、畢卡索、馬蒂斯和塞尚的世界，這些藝術大師的作品對於年輕的朱德群來說無疑是一個全新的發現。同年，朱德群認識了一位立志學工科的青年。他在朱德群的帶領下參觀了杭州藝專，被學校的藝術氛圍深深感染，最終決定放棄理工改學繪畫。這位青年便是後來的偉大畫師，吳冠中先生。
1937年，包括杭州藝專在內的所有高校由沿海遷往內陸。在兩年的西遷途中，朱德群與老師同學遊歷了風景秀麗的安徽、湖北、湖南、貴州、四川和雲南。這些旅程讓他真正體會到了中國文化的博大精深：古老的文明，獨特的風景和多元的民族。這些記憶，即使在他遠離家鄉後也從未忘記。
畢業後在南京中央大學任教，1949年隨校遷往台灣，1955年赴法國後定居。1997年當選為法蘭西藝術院院士。
繪畫風格到法國後從寫實轉為抽象，經常用矩形色塊堆砌，如同山城夜景，明暗對比極其強烈，具有獨特的藝術風格。
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| 朱德群,«夏日黃昏» , 石版畫, 99張, 70 x 45 cm, 2009 |
初次展露頭角
1949年12月，朱德群帶著不捨離開了家鄉，來到台北定居。無比遺憾的是，他留在大陸的作品從此杳無音訊。在台灣，他先後在台北工專和台灣師範學院任教，並於1953年首次舉辦個展。
1955年，朱德群和董景昭女士，即他日後的妻子踏上了赴歐的旅程，於當年定居在世界藝術之都──巴黎。他以前在國立杭州藝術專科學校的同學，趙無極，也在幾年前做了同樣的旅程。
剛到巴黎，朱德群就被這全新的文化深深吸引，完全沉浸其中。如其前輩常玉先生，他常常流連於羅浮宮的展廳和大茅屋高等藝術學院的畫廊。
1956年，他參觀了巴黎現代美術館的尼古拉．德．斯塔爾回顧展，這個展覽不可思議地啓發了他內心深藏的能量，並最終促使他放棄具象畫，而進入極端抽象。就在這一年，他在法國比較沙龍展出了一幅抽象風景畫。此後，朱德群在法國及歐洲的展覽接連不斷，並得到了藝術界的好評。
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| 《揭開隱秘》，200x200mm，布面油彩，1996 |
大師地位的認可
1982年，應北京美術家協會之邀，朱德群回中國遊覽觀光。他再次踏上故土，參觀了中國負有盛名的藝術寶庫，如雲岡石窟、西安、黃山。這次的中國之旅，讓朱德群重新感觸了中國文化，並找到靈魂深處的藝術靈感。
在一次去日內瓦展出的途中，朱德群透過機窗凝視著窗外常年積雪的阿爾卑斯山脈，這種感動成就了他後來的幾幅雪景印像畫。
1987年，即他離台三十二年後，台北歷史博物館主辦了朱德群個展。
之後，朱德群遊遍了歐洲、亞洲和美國，他的作品在無數畫廊和博物館展出，對一個藝術家來講，這無疑是至高的讚賞。
1997年12月17日，朱德群榮膺首位華裔法蘭西藝術院士。
2000年以來，朱德群專門爲中國的藝術館創作了一系列巨幅作品，如上海大劇院和國家級博物館。
朱德群擁有豐富奇妙的人生經歷，他遊覽世界各國，與東西方藝術家共同探索藝術的至美，並融合東西學的精髓，最終形成他獨有的藝術風格。朱德群不但在藝術史上留下了一個註記，而且爲新興的東西方文化聯結做出了卓越貢獻。
朱德群深入地促進了東西方文化交流，他是名副其實的 « 多元文化大使 »，而文化的多元性則是不同文明之間對話、和平相處的源泉。
吳冠中
吳冠中，又名吳荼，1919年生於江蘇宜興。早年畢業於國立杭州藝專，曾在重慶國立大學任教。1946年赴法國留學，在巴黎國立高等美術學校從蘇弗爾皮教授學油畫。1950年回國，先後任教於中央美院、清華大學、北京藝術師範學院，現為清華大學美術學院教授。吳冠中深諳東西方藝術，他認為“中西結合是時代潮流”，他的作品以單純、飽和的色彩，有力的塊面，飛舞的線條，將復雜的事物歸納、錘煉成單純、素淨的造型，形成一種具有中國文化精神和現代形式美感的風格。1974年，他到蘇州寫生，天光湖色之間嬉戲喧鬧、擁擠爭食的鵝群激發了他，遂以清新淡雅的色調，迅急跳蕩的筆觸，記錄下鵝群那充滿活力，富有節奏的場景。畫面上綠色、淺黃色的塊面與白團和紅點的聚散，給人以抽象的形式美感。漁舟中的炊火和晾曬的衣服不僅成為全畫的亮點，也使該畫洋溢著生活的氣息和生命的活力。
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| 高 92 X 寬 175 cm, 橫幅約14.53平尺, 設色紙本 |
張大千
張大千〈1899年5月10日─1983年4月2日〉，名爰，字季爰，號大千居士，最早本名張正則，後改名張援、張諠，小名李，號李爰，別署大千居士、下里港人、齋名大風起兮，四川內江人。畫風自成一格，成為近代繪畫史上一大家。因其詩、書、畫與齊白石、溥心畬齊名，故又並稱為「南張北齊」和「南張北溥」。與黃君璧、溥心畬以「渡海三家」齊名。廿多歲便蓄著一把大鬍子，成為張大千日後的特有標誌。曾與齊白石、徐悲鴻、黃君璧、黃賓虹、溥儒、郎靜山等及西班牙抽象派畫家畢卡索交遊切磋。
二次大戰結束之後，多次在世界各地辦畫展，包括法國巴黎、英國倫敦、瑞士日內瓦、印度新德里、比利時、希臘、西班牙、新加坡、泰國、德國、巴西、美國及香港等地。1958年，以寫意畫《秋海棠》被紐約國際藝術學會選為世界大畫家，並榮獲金獎。1974年，獲美國加州太平洋大學名譽人文博士學位。一生充滿傳奇，如曾赴日學染織，又入寺為僧，並在戰火中遠赴敦煌臨摹壁畫等。雖四處遊歷，對居所卻十分考究，不論四川「梅邨」、巴西「八德園」、美國「可以居」和「環蓽盦」到台北「摩耶精舍」，均極富園林之勝。
張大千1949年離開中國大陸以後旅居世界各地。1976年後定居台北市。1983年，台北故居捐給國立故宮博物院成立「張大千先生紀念館」
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| 愛痕湖， 寬76.2公分，長264.2公分 |
趙無極
“我不怕老去，也不怕死亡，只要我還能拿畫筆、塗顏料，就一無所懼，我只希望有足夠時間完成手上的畫，要比上一幅更大膽，更自由。” ——趙無極
趙無極（Zao Wou-Ki，1921年2月13日－2013年4月9日），生於北京，童年在故鄉江蘇南通讀書，並學習繪畫。1935年進入杭州藝術專科學校，師從林風眠。1948年，在父親的支援下，趙無極與夫人謝景蘭一起前往巴黎繼續深造，開始了一條全新的藝術探索之路。
在隨後的幾年內，他在歐美各國寫生、遊歷，隨著知名度的上升，在各國多次舉辦展覽，與眾多藝術家交友。他將西方現代繪畫形式和油畫的色彩技巧，與中國傳統文化意蘊相結合，創造了色彩變幻、筆觸有力、富有韻律感和光感的新的繪畫空間，被稱為“西方現代抒情抽象派的代表”。
趙無極為法蘭西畫廊終身畫家、巴黎國立裝飾藝術高等學校教授，獲法國騎士勳章，曾在世界各地舉辦160余次個人畫展。
他同美籍華人建築師貝聿銘、作曲家周文中一起被譽為海外華人的“藝術三寶”。
這四位東方的藝術家皆為重要，他們雖然畫風不盡相同，但卻使東方畫風獨樹一格，不再只是模仿西方的風格。
參考資料：
朱德群
吳冠中
張大千
趙無極
印象 經典 莫內展
身為從事藝術工作的一員 站在已經歷時間考驗 卻依舊經典的作品 之前
幻想 回到那時空 那場景 在有限的資源 與有限的參考之中 想像出的作畫手法
莫內的確是創造了 帶著情感 畫出的另一種真實
真實的確有真實真正的樣貌 而值得玩味的 難道不是每個人當下心境詮釋後的記憶了嗎？
印象．經典－莫內 Monet：Landscapes of Mind
莫內是個長壽的畫家，他的一幅畫造就了一個畫派，法國馬摩丹美術館的鎮館之寶─莫內代表作「印象．日出」就是「印象派」的名稱來源。光影詩篇 - 帶不走的美景通通畫下來!
莫內花園 - 睡蓮與日本橋，在莫內的畫中變成永恆！
莫內故居─位於巴黎近郊的吉維尼花園，是莫內迷心中的聖地，也是莫內畢生最美麗的傑作。
莫內1926年辭世之前，長達40年都在吉維尼花園中生活與創作，莫內繪畫作品中，令世人驚艷的睡蓮與日本橋，都出自這座美麗的莫內花園。
莫內1926年辭世之前，長達40年都在吉維尼花園中生活與創作，莫內繪畫作品中，令世人驚艷的睡蓮與日本橋，都出自這座美麗的莫內花園。
永恆莫內 - 心眼比雙眼更厲害！
幾近全盲的人，竟然可以畫出絕美的風景，必然是因為：莫內對光與色彩的深情記憶，使他以心看見了美的力量。
由於長時間在戶外作畫，莫內長達四十餘年間，經常由黎明到正午到黃昏，雙眼都暴露在強烈的日照之下，終因長時間接觸紫外線而罹患白內障，視線逐漸變得模糊不清，甚至影響到色彩判別能力。
由於長時間在戶外作畫，莫內長達四十餘年間，經常由黎明到正午到黃昏，雙眼都暴露在強烈的日照之下，終因長時間接觸紫外線而罹患白內障，視線逐漸變得模糊不清，甚至影響到色彩判別能力。
DJ Nicky romero
十二歲時得到了屬於自己的一套鼓，並在往後每晚練習，學習，三年後即成為樂團裡的鼓手。
我想這是每個藝術家存在的意義，為了想傳遞的訊息，而活著 身為藝術工作者，其實每個人都是藝術工作者，日常就是門藝術。
其實我本來沒有特別喜歡電音的，但Nick完全翻轉了我的喜愛。
莊普
似乎每個踏上藝術路的藝術工作者，都有一份自發性且無以抹滅的藝術內在潛質。莊普即是自小有繪畫天份且曾獲首獎，讓莊普的從小志願唯有藝術家一途。復興美工畢業後，進入難捱的三年台中戰基處工兵服役生涯，沒有意志與行動自由的日子，讓莊普痛苦地只想將每天見到之戰車，拆解後再組裝成雕塑品來聊以自慰。
退役後，莊普唯一心願即是申請到心目中之藝術大師畢卡索出生的國度－西班牙去留學取經；幸運地，莊普成為極少數能進入馬德里大學美術系就讀的外國人之一。 在那只講究繪畫技法之極致追求的五年藝術求學生涯裡，對莊普而言，又是另一段令他窒息的「創作不自由」日子。畢業後，還是希望能留滯在西班牙，享受學院外 之恣意而安步當車的悠遊生活。故而，在觀光景點幫遊客攝影度日的三年漂泊日子裡，雖經濟非寬裕，但倒也平和。據莊普之說法，離開生活了八年之西班牙而決定 回台的原因，乃是因為其西班牙前妻希望能回台學中文，於是又踏進另一新階段的創作生涯。
極限創作風格
回台後，據莊普的說法，就一路順暢到底至今。其對台灣藝術圈重要的貢獻乃是相繼與賴純純等藝術家成立了「SOCA現代藝術工作室」及與劉慶堂、陳慧嶠等的「伊通公園」另類藝術空間，此等替代空間(尤其後者)對台灣當代藝術發展具有長遠且深刻之影響。
而莊普的創作路，乃在早期很重要的現代藝術推手之「春之藝廊」展開。喜歡瑞士國鐵錶(Mondaine)的莊普，就是欣賞其設計之簡潔巧思，亦反映莊普的 創作偏好。適巧莊普於2010年在臺北市立美術館舉辦大型之回顧個展，並在莊普的『2010莊普地下藝術展』畫冊專輯之「創作自述」中提及：
我的時代是 70年代末觀念藝術的氛圍
我的表達方式 以一公分見方的印章代替畫筆去章印出色彩和內容
不選擇繪畫性來製造一個「圖像」
而是採取好比「拓印－反照－迴聲」一般
一次次重複著「印證」「證明」這樣一個訊息
訊息中交互傳遞一個不是圖像的認知意義
藝評家曾長生老師於此畫冊之專文「莊普藝術的前衛性與跨文化性」中，亦說明：『莊普遂藉著手的操作，將包含在內心的情緒交集蓋印在畫面上，每一個圖章就是佔領一個空間，每蓋一個方格就證明了一次存在，力道無一相同的印記，突破了理性的試鍊與辯證，其追尋的結果是極端感性的禁地。』對筆者而言，莊普老師的作品風格，揉合了極限藝術(Minimal Art)與抽象表現主義(Abstract Expressionism)的創新整合，在每一個小小方格的線性結構體中，跳躍的是藝術家的美學色彩觀點及生活態度心境。
迫 聲音
北美館為迎接30週年推出「迫聲音－音像裝置展」，以墜落、橫越為題，運用聲音及影像等新媒體，討論生命起落、循環與重生。
「迫聲音－音像裝置展」為北美館與法國里昂國立音樂創作中心（簡稱GRAME）自2010年舉辦「形、音、異」一展後，再度攜手合作，並由GRAME創辦 人之一的詹姆斯‧吉魯東（James Giroudon）策劃選件，以「墜落」（falls）與「橫越」（crossings）兩項主軸為題。
「迫聲音－音像裝置展」運用聲音及影像等新媒體技術所具備的震撼力與穿透力，以當代藝術的表現形式，討論生命的起落、循環與重生。
展名「迫聲音」要表達彷彿迫在眉梢的生命時刻，無論是影像中的人物張力、豐富到溢出的色彩、劇情的編排，或是純粹用聲光營造的感官知覺等，觀眾將隨著作品起伏感受一種將要、即將、或是馬上就要發生的情緒狀態。
展場入口的大門兩側，藝術家克里斯‧瓦東克以近似紀念碑式手法來處理這件錄像裝置，影像中的一男一女被放置在一種無法承受的情境中，像是被擠壓在一個虛擬的狹窄柱體中，他們嘗試站穩，卻不由自主地一直慢慢倒下，他們於是變成動態的人像柱。
塔菲克團體、揚‧奧爾拉瑞作品「72變」是由六個大型金屬框架來製作出一件結合聲光的互動裝置作品。每個框架由12支40公分長的LED燈管組成，共72支。這套系統可自動運作，同時參觀者也可利用觸控平版，自行點選不同級別的聲光效果。
米
歇爾‧方索瓦作品｢水藏｣裝置造型，像是光線下一個巨大且有內容的的淚珠，想像在鬆手前的一到強力的擠壓，像是一個即將墜落的隱喻。而隨後，觀眾目光會發
現作品原來是一些平庸無奇的材料組成；引導出藝術家探討的：輕盈及沉重、空洞及充滿、等待及解開釋放，同時也在探討物質回收的議題等。
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